La Tempestad es el cuarto montaje de Shakespeare que Helena Pimenta dirige con su compañía Ur Teatro (Sueño de una noche de verano, Romeo y Julieta y Trabajos de amor perdidos), pero son más de media docena los que ha hecho a lo largo de su carrera (Xespir, que incluía cuatro obras, y La comedia de los errores, para el Teatro Nacional de Cataluña). Instalada en Madrid desde hace dos años procedente del País Vasco, la directora ha recibido en este tiempo encargos (Luces de bohemia, Sonámbulos...) que le han servido para internarse en otros territorios dramáticos y asentar a su compañía; pero recuerda que Shakespeare es la marca de Ur, a pesar de lo arriesgado que es para una productora independiente levantar espectáculos con elencos numerosos (como dato, ésta tiene once actores, entre los que figuran Ramón Barea, Alex Angulo, Pepe Viyuela, Vicente Díez, Jacobo Dicenta...): “Shakespeare es nuestro punto fuerte”, dice Pimenta, “hemos aprendido el oficio y la compañía tiene un mercado más o menos asentado. Pero nuestro objetivo es lo artístico, por lo que nuestro apoyo está en nuestro lenguaje y en lo que nos apasiona. Por otro lado, hemos trabajado, tanto en la compañía como en otras estructuras, con actores con los que ya tenemos un lenguaje común. Así que ¿quién mejor que nosotros va a poder hacer a Shakespeare? Es nuestra vocación. No se trata de hacer dinero, sino de alcanzar un nivel digno artístico y laboral”.

–¿Cómo explica la gran afluencia de obras de Shakespeare durante esta temporada (Macbeth, Hamlet...)?
–En varios casos, por lo que he leído, eran cuentas pendientes con el autor desde hace años. Pero creo que está empezando a surgir un deseo de equilibrar el mercado con productos de calidad. Ahora hay un nivel de actores, de escenógrafos, de iluminadores, muy bueno y toca ponerlo en juego en trabajos de calidad, de forma que les merezca la pena como reto personal y profesional. Creo que hay mucho entusiasmo, ganas y calidad. Yo, al menos, tengo mucha ilusión.

–Y el espectador ¿está también preparado para asimilar este tipo de obras?
–Sí, pero también es esa nuestra responsabilidad: provocar esta aceptación, yo al menos así lo vivo porque creo que estar en el teatro es un privilegio, una oportunidad única. Ahora hay un nivel cultural en España importante, y si el espectador ve un buen trabajo, hecho con rigor, lo va a entender perfectamente. ¿Por qué vamos a dar por hecho que el público no va a entender los textos más difíciles?

Obra de madurez
–¿Por qué La Tempestad? Ha sido poco frecuentada, creo que la versión más reciente la hizo Bieito.
–Yo no la he visto nunca. Después de Sueño de una noche de verano, en 1992, me planteé hacerla, quizá porque ambas son muy fantásticas. Pero, afortunadamente, me di cuenta de que no estaba preparada para entenderla. Mi energía era más juvenil y una obra como La Tempestad es la reflexión de toda una vida, requiere aprender ciertos aspectos de la madurez del ser humano. Ahora han pasado doce años y creo que he aprendido cosas que entonces no sabía. Y luego, es un reto.

–¿En qué sentido?
–Primero, porque como ha dicho, no es una obra frecuentada, es difícil de montar; luego, tiene aspectos de la temática que los encontraba muy asociados al mundo de hoy: el tema de la apariencia y la realidad que está en la obra desde el principio es un asunto muy de nuestros días en los que nos reconocemos más en lo virtual que en lo real. Por otro lado, cuando Shakespeare la escribió se planteaba ya la destrucción de la Naturaleza, incluso de la humana, también un tema muy actual. Por último, me dejó fascinada la teatralidad del texto: en una isla concentra un complot para usurpar el poder, las actuaciones grotescas de los tres cómicos, lo lírico de Romeo y Julieta, lo mitológico... Es una visión de síntesis muy brutal, cómo entra y sale en cada uno de estos asuntos. Es la obra más sorprendente de Shakespeare.

–Cuando habla de la destrucción de la Naturaleza, ¿lo dice desde un punto de vista ecologista?
–No. Lo que digo es que hoy la búsqueda de la felicidad se hace cada vez más antinatural, tenemos la tendencia a deshumanizarlo todo, a ambicionar una felicidad abstracta, a no entender los sentimientos más humanos, de forma que nos creemos más la realidad virtual de lo que deseamos ser que la que vivimos.

–¿Y no le parece sorprendente la idea del mal que tiene Shakespeare? ¿No cree que distorsiona con la que hoy se tiene en nuestra sociedad? Él viene a decirnos que el mal existe en la naturaleza humana, no tiene una explicación sociológica como hoy le damos.
–Sí, ha sido también un descubrimiento para mi. Yo creo que le damos explicaciones sociológicas, psicologistas o siempre hay algo, una razón educativa, que lo explique. Pero ahí tenemos a Calibán.

La encarnación del Mal
–Calibán es la encarnación del mal, un personaje hijo de una bruja, “un diablo por su nacimiento, sobre cuya naturaleza nada puede obrar la educación”, dice Próspero.
–Si, nos cuesta aceptar la existencia del mal como parte de nuestra naturaleza. Frente a ese ideal del buen salvaje, creo que es aceptar mucho de las limitaciones humanas. Y este aspecto no lo entendía cuando hice Sueño de una noche... mi visión del mundo era más ingenua, por carácter, por edad, y de repente hay que aceptar que no te quiere todo el mundo. El mal existe y es una justificación vanidosa de nuestro tiempo decir lo contrario. ¡Estamos tentados a vernos tan buenos que nos cuesta creer que tenemos sentimientos oscuros!.

–Pero la receta de Shakespeare, al menos en esta obra, es perdonar.
– Se ha venido haciendo una interpretación cristiana de la obra. Nosotros hacemos una interpretación moral, pero la gran pregunra de esta obra es cómo la cierras: a Próspero lo han encerrado en la isla y acaba perdonando a los que lo hicieron. Pero le cuesta perdonar, da gritos de dolor cuando tiene que hacerlo. Toda la obra gira en torno al perdón de Próspero.

–Próspero es un gran personaje: nigromante al que usurpan su ducado por estar siempre enfrascado en sus libros. ¿Cómo es el Próspero que interpreta Barea?
–Shakespeare era conocedor del mundo mágico y en aquel momento había un debate entre la ciencia y la magia que él gustaba de parodiar. Este Próspero tiene que ver con este debate. De una forma muy estilizada hemos situado la obra en el siglo XX; no nos interesaba tanto presentar un mago como una persona que se cree poseedor de la verdad, e incluso un poco inmortal, pues cree que la verdad la va a descubrir estudiando. Él pretende ser conciencia de nosotros y lo que le ocurre es que acaba recuperando su propia conciencia. Su sentido de la libertad pasa por aceptar lo que somos: limitados, con sentimientos oscurísimos... Y, en ese sentido, es una obra que habla de la libertad.

–Usted va a ser una de las personas en las que se va a apoyar el nuevo director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Eduardo Vasco. ¿Qué le ha encargado?
–Todavía no puedo adelantar nada porque estoy en conversaciones para hacer un espectáculo que se estrenaría en enero del próximo año. Estamos pensando en una obra rara, casi de disidencia para la época. Uno de los objetivos de Vasco es que la Compañía rescate textos nuevos que el público desconoce.

–Y ¿después?
–Un ambicioso proyecto de volver a Shakespeare para montar Coriolano, en Salamanca, la ciudad en la que nací. En el 2005 se celebran los 250 años de la construcción de la Plaza Mayor y me han encargado un espectáculo cuya escenografía sea esta hermosa plaza.

Liz PERALES

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