Estrenos
Lo mejor del año: Teatro

El Siglo de Oro Español
por la Royal Shakespeare
Programa: El perro del hortelano, de Lope de Vega; La casa de los empeños, de Juana Inés de la Cruz; La venganza de Tamar, de Tirso de Molina y Pedro de Urdemalas, de Cervantes. Directores: Laurence Boswell, Nancy Meckler, Simon Usher y Mike Alfreds. Intérpretes: Rebeca Johnson, Claire Cox, Katherine Kelly, Simon Trinder, William Buckhurst, Peter Sproule, Matt Ryan, John Stahl, John Ramm, entre otros... Festival de Otoño de Madrid. Teatro Español. Del 24 al 31 de noviembre.

La actuación de la Royal Shakespeare Company en Madrid con un programa dedicado al Siglo de Oro Español ha sido, en opinión de El Cultural, el acontecimiento teatral más importante del año. Fue el director José Luis Gómez quién lo calificó de “segundo Trafalgar”, en el sentido de considerar ejemplar el propósito y los resultados del ciclo. Durante una semana, invitados por el Festival de Otoño, los ingleses dieron una auténtica lección de teatro con un repertorio de cuatro títulos en los que se mostraba la variedad de temas y géneros presentes en el teatro clásico español: comedias como El perro del hortelano, La casa de los empeños o Pedro de Urdemalas se alternaron con la tragedia La venganza de Tamar, sin duda la más irregular. Obras que recibieron un tratamiento contemporáneo en su puesta en escena. La RSC ilustró sobre cómo opera una compañía de repertorio, es decir, un elenco de intérpretes convincentes y versátiles, capaces de ser sirvientes en una comedia cortesana, para transformarse dos días después en príncipes ambiciosos de una tragedia o dos días más tarde en campesinos, piratas o pícaros. La crítica entendió que la RSC era un modelo de inspiración, justo en el momento en el que se renovaban nuestros teatros oficiales.


La cena
Autor: Jean-Claude Brisville. Dirección: Josep Maria Flotats Iluminación: Albert Faura. Intérpretes: Carmelo Gómez y Flotats.Teatro Bellas Artes. Madrid. Estreno: 16 de septiembre.

Josep Maria Flotats se confirma como la figura trinitaria de nuestro teatro: actor, director y productor. Este año se ha unido al actor Carmelo Gómez, que volvía a los escenarios teatrales tras una larga ausencia, componiendo el cartel más atractivo de la cartelera madrileña. La obra elegida es un texto del francés Jean-Claude Brisville, estrenado con éxito en París. Se trata de una pieza política interesante y bien escrita, protagonizada por el que fuera el representante de la política exterior francesa durante el último tercio del siglo XVIII, Talleyrand, y por uno de los comisarios más sanguinarios de la Revolución Francesa, Fouché. El autor recrea una cena en la que, tras ser Francia derrotada en Waterloo, Talleyrand intenta la restauración borbónica asegurándose antes de que el pueblo, controlado por Fouché, no va a rebelarse. Flotats interpreta al cínico de Talleyrand, un personaje que parece haber sido escrito a su medida. Carmelo Gómez dota a Fouché de una personalidad contrastada con la de su enemigo: es tosco y avieso y sus intervenciones marcan los momentos críticos de la velada.


El retablo de las maravillas
Dramaturgia, dirección y espacio escénico: Albert Boadella. Intérpretes: Ramon Fontserè, Pilar Sáenz, Jesus Agelet, Xavier Boada, Pep Vila, Minnie Marx, Dolors Tuneu, Xavi Sais. Teatro: Loper de Vega. Sevilla. Estreno: 9 de enero.

Boadella afirma que el primer motivo por el que decidió adaptar el famoso entremés de Cervantes El retablo de las maravillas fue “la necesidad de hacer algo para conseguir que veinte personas continúen subsistiendo del teatro”; Boadella toma distancia de aquellos que, en el mundo de la cultura, creen que es espurio cualquier producto sometido a los condicionamientos comerciales que impone el mercado. Al contrario, él no considera estos condicionamientos una limitación: “nos permite una cierta libertad, o sea, no depender de que ninguna institución, por el hecho de pagarnos el invento, condicione el producto”. Y así, en esta producción, emplea esa libertad para reírse nuevamente de los estereotipos ideológicos más ampliamente divulgados en nuestra sociedad: el arte moderno, el progresismo y la cocina actual. Tampoco falta un cura con sotana, como es menester en toda obra “joglaresca”: es Josemaría, identificado claramente con el fundador del Opus, que protagoniza la escena más memorable de todo el espectáculo, aunque esto puede ser discutible. Este retablo de cinco escenas se articula en torno a los distintos papeles que interpreta Ramon Fontserè, un actor capaz de mimetizarse en personajes actuales con una extraordinaria verosimilitud y ridiculizarlos. El resto del elenco no desmerece –Xavi Boada, Pilar Saenz, Pep Vila, Jesús Agelet, Minnie Marx, Dolors Tuneu, Xavi Sais– ; es una troupe bien armonizada y asentada con la que Boadella cuenta para lanzar sus dardos contra la estupidez humana.


Barcelona, mapa de sombras
Autor: Lluïsa Cunillé. Dirección: Lurdes Barba. Escenografía : Max Glaenzel y Estel Cristià. Iluminación: María Domenech. Intérpretes: Mont Plans, Alfred Luchetti, Lina Lambert, Jordi Collet, Daniella Corbo y Albert Pérez. Sala Beckett. Barcelona. Estreno: 3 de marzo.

Parece una ironía que la Sala Beckett haya encargado a Lluïsa Cunillé una obra para el ciclo “L’acció té lloc a Barcelona” (“La acción tiene lugar en Barcelona”), pues en sus más de 20 obras estrenadas, Cunillé se ha mostrado siempre como la defensora de los espacios indeterminados. En Barcelona, mapa d"ombres realiza una doble pirueta saltando hacia la otra orilla de su trayectoria pero sin desviarse de ésta. La obra reúne a seis personajes en un piso del Ensanche barcelonés modesto. Un matrimonio maduro solicita a sus tres inquilinos, en una misma noche, que desalojen sus habitaciones para poder vivir tranquilamente los pocos días que la enfermedad terminal del marido les permita. Los personajes se convierten en arquetipos contemporáneos de la soledad urbana, fácilmente identificables, como lo son los espacios a los que hacen referencia. Entre tanta realidad lo inverosímil hace sutiles intervenciones. Cunillé va más allá y entrecruza las vidas de sus personajes para llevarnos al nudo de la tragedia clásica. El incesto y el adulterio aparecen en el anodino piso barcelonés y, sin embargo, con el sarcasmo propio de la autora, la obra se va escorando hacia la comedia. Sólo en la escena final, entrando ya en el terreno de lo grotesco, comprenderemos que estamos ante una tragicomedia de altos vuelos, sabiamente dirigida por Lurdes Barba y con un elenco que hizo un trabajo extraordinario.


Santa Juana de los mataderos
Autor: Bertold Brecht. Dirección: Àlex Rigola. Escenografía: Bibiana Puigdefàbregas. Iluminación: Maria Domènech. Intérpretes: Nao Albert, Pere Arquillué, Ivan Benet, Jacobo Torres, Àngels Sànchez, Quim Dalmau, entre otros. Grec. Barcelona. Estreno: 25 de junio.

Àlex Rigola se encarga de resaltar, por medios audiovisuales como la proyección en un gran panel de vídeo, que la cosa de los trabajadores y el patrón continúa; que el obreraje está en pie de guerra porque el patronaje sigue siendo, más o menos, el mismo. En esta línea de un marxismo escénicamente primario y doctrinalmente elemental se inscribe Santa Juana de los mataderos, un primitivo Bertolt Brecht con el que Rigola inauguró este año el Grec de Barcelona, en el marco del Forum. Para hacer viable en escena un texto en exceso discursivo Rigola ha diseñado un espacio presidido por una caja de cristal en el que irrumpe Brecht explicando por boca de sus personajes su doctrina. Hay un equipo de actores en el que todos destacan por igual, aunque quizá sea justo subrayar el trabajo de Pere Arquillué y Aúrea Marquez, actores que viven el frenesí de la violencia que emana Santa Juana.


Críticos consultados
Ignacio Amestoy
Javier Villán
Maria José Ragué
Iolanda García Madariaga
Para la selección final los críticos han tenido en cuenta La Orestiada, El rey se muere, Romancero gitano, Homenaje a Cataluña, Ildebrando Biribo, Maestros antiguos, Copito de nieve, La Celestina y Desorientados.

NINGUNA